Los archivos de Seba A.C.

"Lo mío es el rocanrol callejero, de perdedores y de mujeriegos", canta el vocalista de Killterry en medio de “Hijos de la Calle”, su tercer disco de estudio a la fecha. El tema de donde sale esa cita es ‘Kiltro Viejo’, una declaración de principios que exuda honestidad en todas sus notas. Y lo cierto es que son palabras coherentes con todos los versos que vienen antes y con todos los que vendrán. Sus canciones tienen mucho de concreto y de cuneta, como bien habría de esperarse de una banda editada por la Corporación Fonográfica Autónoma.

Pero hay algo en este cuarteto que desde la primera canción los distingue de los muchos grupos de rock que se encuentran en todos los rincones de Chile. Hay algo en su sonido, en su forma de escribir melodías, en su evidente preocupación por no editar cualquier cosa. Ellos mismos se describen como gente de cervezas y vino bueno y barato, y esto puede parecer un cliché, pero su música no lo es.

Quizás ése es el asunto: los trece tracks que componen esta placa tienen, del primero al último, una identidad innegable en la que no poco mérito corresponde a la producción de Mauricio Padilla. Aún si se les escucha en medio de un bar, no hay alcohol de dudosa reputación que impida entender el mensaje que traen temas como ‘Prometen’, ‘Tributo’ (cuyo quiebre de bajo parece venido de otro país enteramente) o la enorme ‘Niños con Pistola’, con la aparición a la medida de Claudio Bluesman en armónica. Acá hay seso, hay ideas claras. Pero, sobre todo, calidad.

Aún en los momentos irónicos (un clásico de nuestro rock, y aquí no hay pocos: ‘Bolsero’, ‘Plata’, ‘Caspa del Diablo’, ‘Masajes’, ‘Pollos con Hormonas’…) se desmarcan desde el primer verso de las otras agrupaciones “irreverentes" de nuestro país. Y no es que sean tan diferentes en cuanto a letras, no. El detalle, el gran plus de esta banda es la actitud que se transmite a través de cada acorde. Killterry no hace rock serio, para nada. Pero sí hace rock en serio, e “Hijos de la Calle” es un sorpresivo hallazgo que todo fan del género necesita escuchar.

Con más de tres años de carrera y un disco debut en el cuerpo ("Antes que todo", 2009), el quinteto nacional Pistola bien podría haber optado por el camino fácil de la continuidad en su segunda producción, buscando sólo replicar esa ópera prima con un enfoque creativo y un trabajo de estudio similar. Sin embargo, la banda decidió optar por el riesgo y tomar una ruta diferente, en pos de una idea clara.

Hablar de un disco conceptual puede sonar a grandilocuencia, pero ése no es en absoluto el caso aquí. Aunque sí, en "Cruzando la línea" se nota el trabajo realizado en cuanto a los detalles. Perfeccionismo en el buen sentido de la palabra, sobre todo en los arreglos, siempre en función de la historia detrás de esta placa. Un viaje y sus consecuencias, un cúmulo de cambios de ritmos y humores lleno de complejidades y claves sutiles. O, en otras palabras, un reflejo acertado de cómo puede responder la naturaleza humana a ciertas circunstancias.

Sin embargo, una idea interesante (y ésta lo es, desde la primera escucha) sólo es parte de un buen disco de rock. La música debe hacer el resto y ahí es donde el evidente cuidado que tiene esta producción paga dividendos. En los juegos vocales de Rodrigo Reyes, su frontman. En las melodías que van mucho más allá de unos cuantos acordes fundamentales. En la buena mezcla de riffs eléctricos y compases aplanadores ('Hipérbole') con momentos sutiles o pausas acústicas ('El origen').

Pero no es casualidad que los momentos en que Pistola más arriesga sean algunos de los mejor logrados. Como cuando la tornamesa de Matías Muñoz deja de ser un telón de fondo y pasa a dialogar con sus pares ('Mi grandeza'). Mucho mérito en esto tiene la base rítmica de Sergio Andreu (batería), José Santibañez (bajo) y Juan Francisco Pavez (guitarra), quienes se encargan de que la banda nunca deje de sonar como sí misma.

Ésa es una de las mayores fortalezas de este trabajo. Que aún cuando deciden mandarse una escapada de casi ocho minutos para cerrar este álbum con 'Nada importante ha pasado hoy', no se pierden (y de paso se despachan una de sus mejores canciones). Los cambios, si bien inesperados, nunca dejan de hacer sentido. Eso aplica para cada uno de los catorce tracks de este trabajo. A fin de cuentas, "Cruzando la línea" no fue sólo un viaje: fue un riesgo calculado, y uno que paga dividendos sonoros.

En un medio que se ha vuelto tan poblado como el nuestro, el cómo atraer atención se ha vuelto todo un tema. Se hace más o menos necesario estar generando noticias de forma constante y tocar seguido en vivo. Para conseguir ambas cosas (y en especial la segunda) es fundamental lograr estabilidad, y por lo mismo es que a nadie extraña cuando una banda que ha pasado por muchos cambios de formación en sus inicios termina tirando la toalla temprano. En realidad, lo raro es es que ocurra lo contrario.

Pero ése es el caso de TV Femme, dupla compuesta por Diego Alorda (voz y guitarra) y Sebastián Díaz (batería y percusiones). El primero era un acompañante en las seis cuerdas, el segundo llegó como parche. Pero la partida sucesiva de varios otros integrantes dejó este proyecto en sus manos por defecto. Y ahí, en ese momento donde tantos otros han renunciado, ambos optaron por seguir y hacer funcionar un grupo que nació en el 2008 haciendo temas en inglés y cuyo nombre ni siquiera eligieron ellos.

Ya la historia previa hace que valga la pena dale una oportunidad a su debut. Y lo cierto es que los fans de nombres como Kings of Leon o The Strokes (en sus primeros discos, no en sus actuales versiones) encontrarán en “La Perdición” un buen sucedáneo de guitarras afiladas y urgencia garage, mezclada con acordes y transiciones propias de géneros como el folk o el country. Diez canciones en total, que pasan en menos de cuarenta minutos y nunca aburren.

Grabado el año pasado en Estudios Primate con la producción de Juan Manuel Méndez y Nicolás Moreno (ex Jirafa Ardiendo los dos) y con un tercer músico a cargo de las líneas de bajo, éste es un álbum irreprochable en cuanto a la calidad de su sonido. Las letras, por su parte, no siguen un hilo temático, sino tres: hay momentos existencialistas, otros críticos y, claro, las infaltables composiciones para conquistar chicas. Es decir, para todos los gustos.

Canciones como ‘Utopías’ y ese enorme rocanrol que le da nombre a esta placa son algunos de sus momentos más memorables. Un disco correcto, si se toma en consideración lo sonoro y nada más. Sin embargo, esta historia no va sólo de eso. Lanzado oficialmente en septiembre del 2011, “La Perdición” es más que sus diez tracks. Es la prueba de que la necesidad de hacer música, si es real, no podrá ser detenida por más baches que haya en el camino. De que, si se quiere, se puede.

A simple vista, Piedra parece un power trío convencional. Desde sus fotos promocionales al arte de sus trabajos, incluso en los títulos de sus canciones. Y a una primera escucha, quizás, esta opinión se mantenga. Sin embargo, al poner atención en los pequeños detalles, empieza a quedar de manifiesto que sus autores no responden a los cánones del género al pie de la letra.

Editado a través de Incendiario Discos, sello del que son co-fundadores, “Una Piedra Resiste en Mi Lugar” muestra a una banda con un fiato innegable. Los años tocando juntos (desde que fueran conocidos como Convidado de Piedra, allá por el 2003) quedan en evidencia cuando ‘Ciudad’ abre esta travesía de 35 minutos a través de lugares y momentos con un inevitable dejo personal.

Y ahí donde la química es un elemento imprescindible para hacer un buen álbum, igual de importante es el trabajo de los responsables de su sonido. Ángelo y Daniel Pierattini estuvieron a cargo de la grabación, mezcla y masterización, y el oficio se les nota. Registrar los instrumentos por separado ya es un recurso estándar, pero ellos optaron por que la banda tocara “en vivo” y al mismo tiempo. Una movida en que el sonido ganó cohesión y calidez, además del siempre importante factor humano.

Llama la atención desde el comienzo lo breves que son los temas de esta producción, casi todos rondando el territorio de los tres minutos. Y luego, con la placa ya sonando, lo inusual es cuán bien resueltas están las canciones. Nunca se sienten apuradas o incompletas. Todas desarrollan una idea completa, tanto en música como en letra, dando tiempo hasta a solos de guitarra que, en momentos como ‘Nada Que Hablar’, se vuelven fundamentales para resolver el todo.

Pero es en las melodías que este trabajo se vuelve menos común y más interesante. En el coqueteo constante con el hard rock de riffs en vez de los clásicos versos de cuatro acordes, donde su cohesión paga dividendos y nunca hace que se extrañe una segunda guitarra. ‘Últimas Cosas’ y el track que da nombre a este álbum suenan como si pusieras a Silverchair (otro trío) en versión 1999 a rockear en el desierto: sólidos, intensos, sin abusar de los efectos, dejando que la melodía y los arreglos cuenten la historia.

Pueden parecer detalles pequeños. Pero conseguirlos todos con éxitos es un logro que no muchas triadas consiguen, y cuyo mérito merece ser repartido a partes iguales entre todos los responsables. Felipe Alegría (guitarra y voz), Rodrigo Carvajal (bajo y voz) y Sebastián Fuentes (batería) se despacharon un sólido segundo disco, donde la falta de clichés es la mayor fortaleza.

La era digital en que vivimos hace rato cambió las reglas del juego. El “hazlo tú mismo” ya pasó a ser “hazlo tú mismo cuántas veces quieras hasta que suene perfecto”. Los infinitos toques y retoques posibles a través de los múltiples programas de edición disponibles permiten sonidos limpios, efectos simulados y da rienda suelta al perfeccionismo de los músicos, quienes pueden obsesionarse cuanto quieran con los pequeños detalles, una y otra vez.

De la mano de todos estos elementos, es natural que una buena parte de los discos disponibles en el mercado -en especial cuando hablamos de rock- hayan perdido dos elementos fundamentales: humanidad e inmediatez. Dos características que Sebastián Orellana (voz y guitarra) e Iván Molina (batería), ahora juntos como La Big Rabia, tienen de sobra.

Aquí, una idea encontró su momento ideal para surgir como una tromba cuando todo coincidió en el momento apropiado. Las ganas de Alejandro “Perrosky” Gómez (uno de los tres productores de esta placa, junto a su hermano Álvaro y Felipe Ruz, el otro tercio de Philipina Bitch) de grabar en cuatro pistas. El legítimo interés de los amigos que terminaron siendo colaboradores. Las frustraciones reales de Orellana, tanto personales como a nivel país. La necesidad de Molina de hacer música urgente, contingente -no contestataria- y directa. La posibilidad de ver a Grinderman (una fuerte inspiración para este proyecto) en la edición 2011 del festival español Primavera Sound.

Lo bueno y lo malo se encontraron y dieron forma a “La Bestia”. Un álbum cuyas influencias pueden ser apuntadas con el dedo sin problemas. PJ Harvey, Jon Spencer, el ya mencionado proyecto de Nick Cave, Sandro. Los mismos Perrosky, incluso. Éste no es un trabajo complejo e indescifrable: es un libro abierto. Los referentes, las motivaciones, todo está a la vista, desde el ‘Nuevo Discurso Rabioso’ que abre esta obra hasta ‘Hazlo Bien’, un tema plagado de cinismo en todos sus versos.

Ése es uno de los mantras fundamentales de este trabajo: el cinismo. Aquí no hay metáforas de ensueño, mensajes entre líneas ni gestos de fe. Éste es un manifiesto de disconformidad generalizada teñido de rock y blues. Una invitación urgente a moverse, a hacer algo, lo que sea, con tal de no quedarse quieto. Puede ser difícil creer que un dúo logre tal cosa, pero una oída a estos ocho cortes de hastío desencantado disipa cualquier duda. No se malentienda: esto no es canción protesta ni nada por el estilo. Esto es rock, urgente y visceral. Es rabia pura y dura. Y, de paso, es uno de los discos chilenos del año.

De cómo sacar 5 discos en 14 años. De cómo tardar 4 años desde la formación de tu banda en sacar el primero. De cómo ser considerados la banda fundamental en la creación de un género (el BritPop) que fue tomado como emblema de la música británica en respuesta al grunge norteamericano. De cómo, más allá de los cambios de integrantes y la suerte de tus LPs, tu grupo siempre estará siempre en la historia como uno de los nombres claves de los últimos 25 años.

De eso se trata Singles. Que es un Greatest Hits, claro. Pero es más que eso: es el recopilatorio de un fenómeno. Uno que no tiene tanta fama patente, pero cuyo alcance es extraordinario. Porque (más allá de los gustos personales), al final, todos conocemos alguna canción de Suede.

1. Beautiful Ones
2. Animal Nitrate
3. Trash (Alternate Version)
4. Metal Mickey
5. So Young
6. The Wild Ones
7. Obsessions
8. Filmstar
9. Can’t Get Enough
10. Everything Will Flow
11. Stay Together
12. Love The Way You Love*
13. The Drowners
14. New Generation
15. Lazy
16. She’s in Fashion
17. Attitude*
18. Electricity
19. We Are The Pigs
20. Positivity
21. Saturday Night

*Canciones inéditas

Suena como: Brett Anderson, Bernard Butler, The Tears, Pulp

Ahora que Suede se junta por una noche, vale la pena revisar la discografía de estos esenciales del Britpop noventero. Y a la hora de ese repaso, es justo y necesario incluir también el primer y único disco de The Tears. Un proyecto que no duro más de tres años, pero que tuvo a muchos atentos a cada sonido que de ahí salía. ¿La razón? Esta banda era la reunión de Brett Anderson, la eterna voz de Suede, y Bernard Butler, primer guitarrista de la banda (se retiró en 1995, después de grabar el tremendo Dog Man Star) y responsable fundamental del sonido que hizo famosos a los ingleses.

El resultado, Here Come The Tears, es un tremendo disco. No podía ser de otra manera. Ojo con ‘Imperfection’; quizás, una de las más bellas canciones de amor que se compuso en la década que acaba de terminar.

1. Refugees
2. Autograph
3. Co-Star
4. Imperfection
5. The Ghost of You
6. Two Creatures
7. Lovers
8. Fallen Idol
9. Brave New Century
10. Beautiful Pain
11. Asylum
12. Apollo 13
13. A Love as Strong as Death

Suena como: Suede, Brett Anderson, Bernard Butler